《Lumina》

《Lumina（ルミナ）》は、自然界に潜む微細な光や生命の気配を意味するラテン語に由来し、目に見えないエネルギーが静かに立ち上がる瞬間を捉える試みから生まれたシリーズです。

かつて原子力の象徴ともなったウランを微量に含むガラスビーズは、19世紀初頭から20世紀半ばにかけてボヘミア（現在のチェコ）で盛んに作られていました。当初はごくわずかなウランを着色材として用いていましたが、そのガラスが放つ放射線が、薄明や夕暮れの紫外線を受けることで美しい蛍光緑色の光を放つことが発見され、ヨーロッパで大きな流行を巻き起こしました。その後、第二次世界大戦期にウランの民間利用が制限されたことにより、このガラスは急速に姿を消していきます。

本作では、こうした時代の流れに翻弄されたチェコのウランガラスビーズと、地衣類、夜叉五倍子、苅安といった自然の素材で染めた絹糸――風や光のわずかな変化に応答する素材――を用いながら、光と物質のあいだに潜む、目には見えないけれども確かに在る「存在たち」の気配を探ります。

—林智子

＊ウランガラスビーズは、チェコ（ボヘミア）において19世紀初頭から20世紀半ばにかけて発展した装飾ガラスの一形式であり、紫外線を受けると蛍光緑色に発光するその物質特性と、手仕事による繊細な造形が今なお人々を惹きつけている。
ボヘミアの職人たちは、型吹き（モールド）やカット研磨、彩色、火入れといった工程を分業で行い、ウラン酸化物を微量に溶融させることで透明度の高い緑や黄、時に複層的なバイカラー（複数の色のグラデーション）を生み出した。
その緻密な技術と発色の深みは、工業製品にはない手仕事の温度と光の揺らぎを湛えており、見る角度や光の加減によって繊細に変化する。

《Lumina》

“Lumina” derives from the Latin word for subtle light or the faint presence of life in nature.
This series seeks to capture the quiet emergence of invisible energies—the moment when something imperceptible begins to breathe into visibility.

The glass beads containing traces of uranium—once a symbol of atomic power—were widely produced in Bohemia (now the Czech Republic) from the early 19th to the mid-20th century. Initially, small amounts of uranium oxide were added as a coloring agent, and it was later discovered that under twilight or ultraviolet light, these glasses emit a beautiful fluorescent green glow. They became a sensation across Europe, yet during World War II, restrictions on civilian use of uranium abruptly brought their production to an end.

In this work, these Bohemian uranium glass beads—shaped by the changing tides of history—are interwoven with silk threads dyed with natural pigments such as lichens, alder cones, and kariyasu grass, materials that respond sensitively to subtle shifts of light and wind.
Through them, the work explores the quiet presence of beings that exist between light and matter—unseen, yet undeniably there.

—Tomoko Hayashi

Note:
Uranium glass beads, developed in Bohemia between the early 19th and mid-20th centuries, are a distinctive form of decorative glass known for their fluorescent glow under ultraviolet light and their finely handcrafted forms. Bohemian artisans employed mold-blowing, faceted cutting, coloring, and fire-finishing techniques, fusing minute amounts of uranium oxide into molten glass to achieve remarkable transparency and rich hues—sometimes producing layered, bi-colored gradations. Their refined craftsmanship and depth of color carry a warmth and subtle shimmer absent in industrial products, changing delicately with the angle of light and the passage of time.

Tomoko Hayashi

Having lived in the vast deserts of the United States, the wetlands of Ireland and Scotland, and the contrasting urban environments of London and Tokyo, she has developed an interest in human intimacy and in emotional connections that arise through sensory experience. Working across disciplines and occasionally employing advanced technologies, she has presented her work internationally, including exhibitions at the Victoria and Albert Museum, London (2005); the National Museum of Art, Osaka (2007); the Centre for Contemporary Art, Toruń, Poland (2013); and the Contemporary Art Museum Kumamoto, Japan (2015).

In recent years, through an ongoing resonance with the nature and culture of Kyoto, her practice has expanded to explore the relationship between the nature within us and the nature that surrounds us. In her solo exhibitions Reweaving the Rainbow (2021) and and the world is mud (2024), she presented multi-sensory installations based on fieldwork, organically interweaving the flow of human consciousness, subtle tremors of the earth, and the micro- and macro-scale processes of generation and decay in living systems.

Rather than fixing narratives or meanings, her work seeks to attend to moments in which boundaries—between self and world, inner and outer—temporarily loosen and states of resonance emerge. Through sensory and embodied experience, she attempts to render perceptible the invisible interactions and flows—the dynamics of life (physis)—that continue to seep through a world increasingly shaped by division and structure.
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林　智子

兵庫県生まれ、京都在住。

アメリカの広大な砂漠、アイルランドやスコットランドの湿地、そしてロンドンや東京といった対照的な都市環境での生活を通して、人と人との親密さや、感覚を介して立ち上がる情動的なつながりに関心を持ち、時に先端的なテクノロジーを駆使しながら分野横断的な制作を行ってきた。これまでに、ヴィクトリア＆アルバート・ミュージアム（ロンドン、2005）、国立国際美術館（大阪、2007）、現代美術センター（トルン、ポーランド、2013）、熊本市現代美術館（2015）など、国内外で作品を発表している。

近年は、京都の自然や文化との交感を通して、私たちの内側にある自然と、外側に広がる自然との関係へと関心を広げている。個展「虹の再織」（2021）および「そして、世界は泥である」（2024）では、フィールドワークをもとに、人間の意識の流れ、地殻の微細な震え、生命の生成と崩壊といったミクロ／マクロなプロセスを、有機的に編み込む多感覚インスタレーションを発表。

物語や意味を固定することよりも、自己と世界、内と外といった境界が一時的にゆるみ、交感が生じる瞬間に立ち会うこと。その感覚的・身体的な経験を通して、分断や構造化が進む世界のなかでもなお滲み出てくる、目には見えない相互作用や流れ――〈生〉の動態（physis）を、感受可能なかたちとして立ち上げることを試みている。